La belle et la bête : la bande-annonce finale

Ces dernières années, Disney reprend de plus en plus les contes de fées classiques que nous aimons et que nous connaissons pour les adapter en un format cinéma. Ce fut déjà le cas avec Maleficent en 2014 (ce qui était fabuleux) puis avec Cendrillon en 2015 (j’en étais moins fan). Suivant donc cette démarche, la Belle et la Bête n’y a pas échappé. Dirigé par Bill Condon, mettant en vedette l’étoile du cinéma Emma Watson comme Belle et Dan Stevens comme la bête. Les deux comédiens originaux d’animation (Paige O’Hara et Robby Benson) ont exprimé leur approbation des nouveaux acteurs de conte de fées en direct pour les deux personnages.

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Lorsque l’idée de l’adaptation a été d’abord soulevée par Condon, Disney n’était pas certaine d’en faire une comédie musicale comme le premier film d’animation en 1991. La réponse de Condon au sujet a été prise au sérieux. « Avec tout le respect que je vous dois, je pense que vous êtes fou », a déclaré Condon. « Les chansons sont trop bonnes. Vous allez passer tout ce temps à faire une énorme, magnifique action en direct »

Le tournage du film a été achevé le 27 août 2015, ce qui représente plus de 18 mois d’attente pour la sortie finale du film. Depuis peu, cependant, la dernière bande-annonce du film a été révélée au public.

Le premier teaser seul, selon Disney détient le plus de vues sur les premières 24 heures pour le teaser d’un film. Il a surpassé à la fois Star Wars et Captain America: Civil War, les détenteurs record précédent, avec 91,8 millions de vues.

La dernière bande-annonce présente la robe jaune emblématique portée par Belle dans la salle de bal avec la Bête. Un nouvel ajout est la version de « Tale as Old as Time » interprétée par Ariana Grande et John Legend. Ce trailer a dépassé son record précédent avec 127,6 millions de vues dans les premières 24 heures après avoir été révélé. Encore une fois, il a dépassé les détenteurs de records précédents, Fifty Shades Darker et Star Wars, pour la plupart des vues dans les premières 24 heures pour une bande-annonce officielle.

Bien qu’il n’y ait pas de nouvelles images incluses dans ce dernier trailer, il y a suffisamment de matériel frais pour une fois de plus se sentir confiants que ce remake va être un autre grand succès pour le studio. Quoi qu’il en soit, il peut atteindre les mêmes hauteurs que le Livre de la Jungle de l’année dernière, mais il ressemble certainement à un film éblouissant, enchanteur, qui ne devrait avoir aucun mal à reprendre la magie de l’original.

Bien sûr, la Belle et la Bête n’est pas le seul conte de fées en ligne pressé dans le jus des remakes. Dans sa tentative, continue de réviser son catalogue arrière inégalé, la maison de Mickey cogite déjà pour mettre en route Mulan, Blanche Neige, et le Roi Lion qui sera dirigé par Jon Favreau. Après que le cinéaste a dirigé le livre de jungle vers un succès global en 2016.

En revenant sur le film de Condon, jetez un oeil à cette vidéo comparant les images du dernier trailer avec l’ancienne version de la Belle et la Bête et laisser un commentaire pour me savoir ce que vous pensez.

Au nom de ma fille : un thriller très calme, mais en grande partie satisfaisant

Synopsis :

Dans son histoire déchirante et vraie qui s’étend sur près de 30 ans, « Au nom de ma fille » raconte l’histoire d’André Bamberski (Daniel Auteuil), qui découvre que son mariage apparemment heureux avec Dany (Marie-Josée Croze ) est en train de s’effondrer en raison de sa relation extra-conjugale avec un médecin allemand, Dieter Krombach (Sebastian Koch). Peu de temps après que le couple s’est séparé, la fille de 14 ans d’Andre et Dany, Kalinka (Emma Besson) est retrouvée morte dans sa chambre dans la nouvelle maison allemande de Dany.

 

Critique :

Sur la base de l’affaire Kalinka Bamberski, qui a fait les manchettes en Europe depuis des décennies, ce drame franco-allemand met l’accent sur la mort mystérieuse d’une adolescente et la quête de son père biologique (Daniel Auteuil) sur la vérité et le lien de la mort de sa fille avec son beau-père. Parce que l’identité du meurtrier est évidente dès le début, la tension réside dans l’accumulation de preuves du père pour étayer sa théorie et dans les barrages routiers qui entravent l’enquête. Le film bénéficie de la performance en mouvement d’Auteuil, bien que le récit soit moins excitant que résolu. Le scénariste-réalisateur Vincent Garenq, dont les deux films précédents étaient également des thrillers policiers, démontre un talent pour le genre.

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Bien qu’une autopsie exécutée à la hâte ne montre aucun mal, le désespéré André creuse plus profondément et trouve une mauvaise conduite grossière et une conspiration d’incompétence et de mensonges qui semblent indiquer que le Dr Krombach a couvert le viol et la mort de Kalinka. Au nom de ma fille relate la descente d’André dans le cul-de-sac du système judiciaire européen, qui est à la fois laborieusement lent et enclin à l’ingérence politique pour empêcher toute éventualité d’un incident international non désiré, bien que les nations de l’Union européenne soient censées adhérer aux lois d’extradition.

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André et ses avocats, fidèles et patients, travaillent dans toutes les directions possibles, tant en Allemagne qu’en France et dans quelques autres pays où le médecin tente de se cacher, découvrant encore une preuve de sa culpabilité qui ne semble toujours pas les amener à revenir la France face à des accusations de meurtre. Alors que le labyrinthe des contestations juridiques fait certainement durer la procédure, le film ajoute une tragédie supplémentaire à sa liste quand André se perd profondément comme dans le cas où il repousse les relations avec son fils maintenant adulte et sa nouvelle petite amie qui est favorable par toute définition du mot. Il prend également une retraite anticipée à son travail afin qu’il puisse se consacrer plein temps pour obtenir justice pour sa fille.

L’histoire culmine quand André prend la loi entre ses mains afin de s’assurer que le Dr Krombach répond de ses crimes. S’il s’agissait d’une histoire fictive avec Liam Neeson, il est probablement juste de faire sauter le gars, ou donner au bon docteur une autopsie en bonne et due forme … alors qu’il était encore vivant. Mais étant enracinée dans la vérité, Au nom de ma fille se construit sur une série de conclusion qui se passe en grande partie dans le calme, la plupart des événements étant plutôt satisfaisant, l’emballage d’une grande partie de la douleur brute et l’émotion dans son cadre. Dirigée par Vincent Garenq (Guilty, comme les autres), la force motrice du film est le cœur brisé d’un père solitaire, et pour certains, cela peut être plus qu’ils ne peuvent le faire, surtout quand André se comporte irrationnellement au détriment de sa propre fin du jeu. Auteuil et Koch sont des rivaux parfaits: le premier, épuiser et obséder; l’autre, rassemblé, beau et charmant, et la majeure partie du succès du film sont dus à leur anti-chimie, même s’ils partagent très peu de temps à l’écran.

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Le pire que je puisse dire à propos d’Au nom de ma fille est qu’il souffre d’une vision de tunnel et ne nous permet pas de creuser un peu plus profondément dans la vie et les esprits de l’un de ses personnages. En même temps, j’admirais son accent et son engagement autant que celui d’André. Il existe de nombreux films déchirants, mais celui-ci pourrait être celui qui demanderait une bonne bouteille d’alcool durant son visionnage.

Zootopia : une confusion de message racial….et des animaux tout mignons ☺

Synopsis :

Du plus grand éléphant à la plus petite musaraigne, la ville de Zootopia est une métropole de mammifères où divers animaux vivent et prospèrent. Quand Judy Hopps devient le premier lapin à rejoindre la police, elle apprend rapidement à quel point il est difficile d’appliquer la loi. Résolue à se prouver, Judy saute sur l’occasion de résoudre un cas mystérieux. Malheureusement, cela signifie travailler avec Nick Wilde, un renard rusé qui rend son travail encore plus difficile.

 

Critique :

Les animaux sont vraiment parfaits pour faire passer les allégories. Leur nature représentative, la sournoiserie des serpents, la somnolence des paresseux, l’industrialisation des fourmis…tout cela permet aux scénaristes de se rendre au cœur de leur message assez rapidement et d’une manière presque subconsciente. Nous connaissons tous les caractéristiques d’un lapin ou d’un renard. Et nous comprenons également leur relation dans la nature. De là, l’allégorie peut construire quelque chose d’autre, en utilisant ces créatures pour mettre en place le théâtre et d’éloigner le public de la morale pour qu’il puisse passer à travers leurs défenses. C’est la prémisse entière des fables, ces histoires de moralité opèrent sur des niveaux assez élevés pour que nous puissions absorber la morale sans nous sentir enseignés.

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Mais l’allégorie peut être une bête dangereuse à part entière, d’autant plus qu’elle tente d’aborder des concepts plus complexes. Vous devez être un maître pour contrôler la simplicité apparente de narrer une histoire politique avec des animaux de basse-cour. Demandez simplement à George Orwell. Ce contrôle semble échapper aux cinéastes derrière Zootopia de Disney, un film assez charmant qui se trouve dans un profond désordre métaphorique.

Comme l’expliquent un certain nombre de discours sur l’édification du monde, Zootopia est une ville où tous les animaux (mammifères, de toute façon) se sont réunis pour construire un monde nouveau en harmonie. Zootopia, avec ses douze quartiers de biome différents, y compris Tundra Town et Sahara Square, les animaux vivent désormais dans une paix anthropomorphisée pendant des siècles. Mais ce qui semble être une belle mosaïque de l’extérieur est en fait une ville criblée de Malaise ancienne entre les espèces, l’inquiétude est sur le point de bouillir de manière violente.

Oui, c’est un film de Disney! Zootopia est peut-être le plus étrange de la nouvelle race de films d’animation de Disney, celui qui traite dans le genre non-stop les références de culture populaire. Ce qui n’était pas le cas dans les Shrek jouant plus sur les battements émotionnels. En fait, Zootopi est assez ingénieux dans un certain sens, ses références sont intelligentes au lieu de clouer et sa politique est, en surface, irréprochable. Mais il y a un problème central que le film ne surpasse jamais tout à fait. Son allégorie est fondamentalement fatalement erronée.

Au début de l’image, je pensais que l’allégorie raciale était centrée vers la proie, qui a historiquement souffert aux mains des prédateurs. Que la proie était le groupe minoritaire, d’autant plus que le personnage principal, Judy Hopps, est le premier lapin à ne jamais entrer dans la police de Zootopia. Et elle le fait dans le cadre de la nouvelle «Mammal Inclusion Initiative». Mais ce n’est pas le cas !!! Dans la ville de Zootopia, les prédateurs sont une minorité, ils ne représentent que 10% de la population, nous dit-on à un moment donné, mais ils semblent bien intégrés dans le monde. Le maire est un lion, après tout.

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Ce qui arrive après est une éruption de cas de prédateurs disparus qui finit par être le résultat d’un scénario étrange où les prédateurs vont redevenir « sauvage ». Ils ne marchent plus sur deux jambes, ils perdent leur intelligence et ils commencent à essayer de tuer les mignons petits animaux pelucheux. Croyez-le ou non, tout cela est une allégorie de l’épidémie de fissures (ce pourrait être honnêtement le plus bizarre des films de Disney de tous les temps), et les animaux sauvages détruisent la paix de Zootopia entre les espèces. Une des scènes que je trouve très pointues est celle de la maman lapine tirant ses petits lapereaux quand un tigre se trouve à côté d’eux sur le métro. Le film essaie de nous donner une compréhension nuancée de la façon dont ce genre de préjudice fonctionne. Nous pouvons voir la douleur sur le visage du tigre alors que nous comprenons également la peur du lapin (c’est honnêtement se révéler être l’un des commentaires plus bizarres que je n’ai jamais écrits).

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Mais le film échoue sur son message. Il échoue parce qu’il construit toute sa prémisse allégorique sur une base imparfaite: les minorités sont des prédateurs. Les prédateurs mangent les proies. C’est leur relation, et nous dans le public, on le comprend comme tel. Oui, le lapin devrait tirer ses enfants loin du tigre. Le tigre est manifestement historiquement dangereux. Il a évolué pour être dangereux pour les animaux comme les lapins.

La récente couverture politique a repris un vieux discours de Hillary Clinton, celui des années 90, quand l’épidémie de crack a pourri les villes américaines de l’intérieur, quand la criminalité était hors de portée et quand le président a présenté un projet de loi criminalisant des décennies de misère pour les communautés noires. Dans le clip, elle parle de «super prédateurs», d’enfants noirs sans cœur qui marchent dans les rues et tuent des gens sans remords, sans humanité. Les racistes font appel à la biologie fictive pour faire leurs points sur le groupe qui est inférieur, et Zootopia, croyez-le ou non, traite effectivement de cela. À un moment donné, Judy Hopps parle de la façon dont les prédateurs sont biologiquement donnés aux comportements violents, et c’est vraiment offensant pour les amis de ses prédateurs, mais comprenez ceci : elle a raison. Dans le contexte du monde allégorique en construction elle a 100% raison. Dans le passé, les prédateurs ont tué d’autres animaux dans le cadre de leur impératif biologique. Ils proviennent d’un héritage de violence et de sauvagerie. Malgré la tentative du film de rendre appel à la biologie mal à l’aise, sa base allégorique affirme les hypothèses les plus racistes sur les noirs : ils viennent de la sauvagerie. Ils ont ces instincts dans leur sang. En faisant l’analogue afro-américain dans le film « PREDATEURS ACTUELS », Zootopia soutient les remarques de «super prédateurs» de Hillary Clinton.

Encore et encore le film parle de prédateurs et de sauvagerie. Zootopia provient clairement d’un endroit bien intentionné avec ses allégories raciales, mais il devient impossible de les ignorer. Il devient encore plus difficile d’ignorer après une longue parodie de « The Godfather », qui traite tout en stéréotypes italiens fastidieux. Il est clair que les cinéastes n’avaient aucun contrôle sur leurs métaphores. Ils n’ont jamais considéré ce que cela signifiait de présenter la minorité injustement calomniée comme des animaux réellement dangereux. Ils ont également doublé sur elle de façon bizarre : la scène de chasse au Musée d’Histoire Naturelle montre un diorama qui comporte chat de la jungle prédatrice étant combattu par ce qui semble être des souris tenant des lances. Le message ici est que la proie a évolué d’abord, peut-être pour être apprivoisé par les prédateurs. Dans un film qui est plein d’expositions monde-bâtiment (que le film prend au sérieux, soit dit en passant), personne ne s’inquiète de livrer une ligne de dialogue expliquant que peut-être prédateurs et proies se sont réunis par intérêt commun. Les prédateurs ont renoncé à la vie carnivore. Le message non dit (et sans doute inconsidéré) du film est que les minorités étaient autrefois dangereuses, mais ont été civilisées.

Bien sûr, les métaphores confuses qui imprègnent Zootopia peuvent laisser beaucoup à l’interprétation. Si cette métaphore plus grande n’est pas assez confuse il y a un autre cours du film, l’entrée de Judy Hopps dans la police de Zootopia reflète les femmes entrant traditionnellement dans les carrières masculines (elle est d’abord forcée à être une femme de ménage). Cela bouleverse en fait la métaphore plus grande parce que dans la circonscription de la police les prédateurs et les proies se mêlent, la seule différence étant que Judy est une membre très petite de la famille des proies. Son chef, par exemple, est un grand buffle. Il est techniquement une proie, mais il ressemble certainement et agit comme un prédateur traditionnel. Sauf que certains prédateurs sont petits, comme les bœufs et les renards. Et ainsi le fil de l’histoire voit Judy et le maire adjoint, un mouton confus, avoir une liaison au-dessus des «petits gars contre les gros gars». Tout cela ajoute seulement une couche de complexité à l’allégorie que je pense le film ne peut pas tout à fait soutenir.

Encore une fois, je n’accuse pas les cinéastes d’insérer des messages sinistres, mais plutôt de prendre une trop grande métaphore pour leur propre bien. Peut-être l’exemple ultime de cela est l’arc de personnages de Nick Wilde, le renard qui devient le partenaire involontaire de Judy dans le cas des prédateurs manquants. Nick se conforme au stéréotype de «renard sournois» non pas parce que c’est qui il est, mais parce que tôt dans sa vie, il a appris que tout le monde ne le verra jamais comme un renard sournois. S’il devait être traité comme un criminel tout le temps, pourquoi ne pas simplement agir comme un criminel? C’est un examen touchant de la façon dont les stéréotypes mineurs et les attitudes préjudiciables peuvent sérieusement affecter la vie d’un jeune … et c’est au milieu d’un film où chaque animal se comporte soit de manière stéréotypée pour leur espèce (c’est-à-dire, la population de lapin Boro, ou les loups qui sont des animaux muets qui hurlent de façon incontrôlable ou les moutons montrés comme des animaux tout doux. Le film veut avoir diffusé un message racial tout en nous le faisant passer à travers des animaux tout mignon. Ce n’est pas que c’est mauvais, c’est juste confus. Ce n’est pas bien contrôlé.

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Vous pourriez dire que je lis trop dans le film, mais je pense que Zootopia porte tous ces trucs sur sa manche. Même la substance de l’épidémie de fissure est expliquée dans une séquence qui, lourdement, brouille les références Breaking Bad (oui, un médicament différent, mais vous obtenez le même point). Et vous pouvez dire que je ne devrais pas essayer d’attirer tant de lignes directes entre notre monde et celui de Zootopia, mais encore une fois, le film me le demande! Il est rempli de références et d’analogues de notre monde moderne: les animaux utilisent des iPad et regardent des vidéos drôles sur leurs téléphones, ils conduisent des véhicules familiers et ils appellent un Zuber pour leurs déplacements quand ils n’ont pas accès à un VUS, ils écoutent Everybody Hurts …..

Crimson Peak : voluptueusement horrible

Synopsis :

Wasikowska joue Édith, une belle jeune femme et aspirante à être romancière dans la société new-yorkaises de la fin du 19e siècle. Son père est un industriel millionnaire: son nom de famille, en déférence à la tradition Hammer, est Cushing. Tom Hiddleston et Jessica Chastain jouent les rôles respectifs de Sir Thomas Sharpe et sa soeur altière Lucille: folle, mauvaise et dangereuse. Ce sont de jeunes aristocrates britanniques, nés en Nouvelle-Angleterre, qui cherchent de nouveaux riches américains pour injecter de l’argent dans leur maison familiale et leurs domaines abandonnés en Grande-Bretagne. On y trouve de nouvelles machines d’argile de Sir Thomas. Peu de temps après, et dans des circonstances étonnamment suspectes, le charmant Sir Thomas épouse Édith et l’amène chez lui, dans le domaine effrayant de Cumberland, un endroit aussi vaste qu’une prairie nord-américaine. Édith doit en quelque sorte faire une amie d’une Lucille furieuse et doit accepter les conditions de la châtelaine dans cet endroit plus que bizarre. Les secrets sont alors révélés: les Fleurs du mal jaillissent d’un sol psychosexuellement riche d’horreur.

Critique :

Crimson Peak, la fantasy-romance gothique de Guillermo Del Toro est
somptueusement somptueuse, violemment violente et conçue à un pouce de sa vie. Chaque cliché est une merveille complexe et truffée de détails : il y a les images qui brillent par derrière comme des vitraux. J’étais assez sceptique au sujet du sens pictural de ce cinéaste dans le passé, même dans le labyrinthe de Pan, largement admiré en 2006, qui a appelé à l’esprit la réponse de haussement d’épaules de Tarantino à un certain type de film entiché avec ses propres visuels. Mais Crimson Peak a plus de nerf narratif et présente un certain style d’humour noir.

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Le titre se réfère à la terre rouge dans un certain paysage sinistre. La couleur doit, cependant, suggérer autre chose, et cela pourrait encore inspirer Amy Heckerling à faire une suite gothique à Clueless appelé Crimson Wave. Il y a une cuillère à soupe du roman d’Horace Walpole: le château d’Otranto dans ce film, et un seau de Rebecca de Daphné du Maurier, comme il a été filmé par Hitchcock. Mia Wasikowska a le rôle de Joan Fontaine, Tom Hiddleston est Olivier et Jessica Chastain est une version sexiste de Mme Danvers, glissant propriétairement autour d’une vieille maison effrayante, un tas de touches jappant à la taille.

Lucille est donnée à des récitals absurdes de Chopin dans les rassemblements polis, levant du piano comme un prédateur assis. Comme Sir Thomas, le visage sensible et dessiné de Hiddleston peut suggérer une fierté et des sentiments blessés. Il a l’âme d’un artiste mal compris. Comme toujours, Wasikowska est une présence intelligente et assurée, et elle emporte la coiffure lustrée type Millais que le film lui donne.

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La violence dans ce film est choquante: comme dans le labyrinthe de Pan, quelqu’un reçoit une plaie effrayante juste au-dessous de l’œil, une idée particulièrement horrible. Je dois dire, je suis assez délicate sur l’enthousiasme de Del Toro pour la violence, mais il est toujours exactement jugé. La voix d’Hiddleston est merveilleusement soyeuse, ayant même quelque chose de James Mason, et aussi Mark Rylance dans la version cinématographique de 1995 d’AS Byatt des anges et des insectes. Les esprits eux-mêmes sont magnifiquement conçus, si un peu trop évidemment numériques (la vapeur ectoplasmique qui boucle de leur peau est aussi distrayante que jolie). Mais pour la plupart, le film se souvient que la peur vient de choses simples et tactiles, comme le mouvement inespérément agile des doigts d’un fantôme, ou une poignée de porte griffée par des mains invisibles.

La dernière fois que Del Toro plongea cette profondeur dans la mélancolie, le résultat fut son chef-d’œuvre de 2006, le labyrinthe de Pan. Crimson Peak se sent comme un retour vers les premiers principes, et loin du néon sympathique des films Hellboy et Pacific Rim, Charlie Hunnam, fournit une chaleur très nécessaire dans un rôle de soutien en tant que détective amateur.

Sa sombre sincérité et sa beauté hypnotique au trésor font que Crimson Peak se sent comme un film hors du temps. Mais Del Toro, son casting et son équipe l’emportent sans un seul produit postmoderne. Le film porte son cœur sur sa manche, avec son âme et la plupart de ses intestins. Crimson Peak est tout simplement additivement regardable et macabre.

The Shawshank Redemption : Le conte de prison de Stephen King

Synopsis :

En 1946, un banquier nommé Andy Dufresne (Tim Robbins) est reconnu coupable d’un double assassinat, même s’il proclame obstinément son innocence. Il a été condamné à une peine d’emprisonnement à la prison d’État de Shawshank dans le Maine, où un autre survivant, Ellis «Red» Redding (Morgan Freeman), le choisit comme un nouveau recru susceptible de fissurer sous la pression. Les réalités lamentables de la vie en prison sont rapidement présentées à Andy: un gardien corrompu (Bob Gunton), des gardes sadiques dirigés par le capitaine Byron Hadley (Clancy Brown) et des détenus qui ne sont guère mieux que des animaux, prêts à utiliser des viols ou des coups pour assurer leur dominance. Mais Andy ne craque pas. Il utilise ses compétences bancaires pour gagner la faveur avec le directeur de prison et les gardes, et garde un œil sur les investissements de la plupart du personnel de la prison. En échange, il s’engage à améliorer la bibliothèque de la prison et d’apporter un peu de dignité et de respect à beaucoup de détenus, dont Red. Basé sur une histoire de Stephen King, The Shawshank Redemption était le premier long métrage du scénariste Frank Darabont.

 

Critique :

Un de mes vieux amis cinéphiles comme moi me disait un jour: « Les meilleurs films touchent l’âme ». Shawshank Redemption atteint la grandeur, voire même la perfection, non pas à cause des effets spéciaux, de l’action, de la violence ou de tous ces semblants de distraction. Il atteint la grandeur, car il touche l’âme avec une expérience cinématographique directe, remplie de brillants dialogues, de performances exemplaires et d’un message d’espoir au milieu des temps les plus sombres. C’est un message qui résonne profondément et devient plus intense avec chaque visionnement ultérieur du film.

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La première fois que j’ai vu Shawshank Redemption, je ne pensais pas qu’il avait quelques choses de spéciales. Bien sûr, les stars Tim Robbins et Morgan Freeman étaient bons mais leurs performances n’avaient rien de spécial … ou du moins c’est ce que je pensais à l’époque.

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Frank Darabont dirige Shawshank Redemption avec une main douce et guidée permettant aux acteurs de découvrir l’essence de leurs personnages. Certains acteurs, sans doute, ne seraient pas à la hauteur. Robbins et Freeman, cependant, ne sont pas «quelques acteurs». Ce sont des acteurs consommés et magistraux dans leurs rôles.

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Basé sur le roman de Stephen King, Darabont crée un film qui n’adhère jamais dans le drame de son histoire, au lieu de choisir de présenter la vie des personnages impliqués sans histrionique. Je pense depuis longtemps que le film peut même améliorer le roman en le mettant au point et en lui fournissant un rythme permettant un développement plus explicite des caractères.

J’ai remarqué que beaucoup de mes films préférés sont des morceaux d’ensemble, et tandis que Robbins et Freeman brillent ici, il est en fait la distribution entière qui apporte cette histoire à la vie avec une telle grâce et beauté. Soutenant des performances de la part de James Whitmore, William Sadler, Gil Bellows et d’autres qui prennent ce qui pourrait être des caricatures et leur donner des personnalités en profondeur, des pensées et des sentiments.

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Le score de Thomas Newman est suprêmement divin et change avec les personnages. Il améliore ainsi la stimulation de Darabont. Il y a tellement de scènes mémorables dans Shawshank Redemption, cependant, la scène de clôture est certainement parmi l’une des meilleures scènes de clôture jamais vue.

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Il est difficile de comprendre qu’un film traitant du thème «prison» pourrait être une source d’espoir énorme, de lumière et d’inspiration. Pourtant, appeler Shawshank Redemption un film de prison est tout simplement minimiser sa grandeur. C’est un film brillant, une étude de l’humanité dans tout son émerveillement et il se trouve être produit et avoir lieu dans les confins d’une prison.

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Mouvementé, brillant, inspirant, plein d’espoir et d’habilitation sont tous les mots qui décrivent « The Shawshank Redemption ». Avec des performances exceptionnelles de son casting d’ensemble et une œuvre d’une poésie cinématographique énorme par le réalisateur Frank Darabont. «Shawshank Redemption» crée une vision stellaire qui enseigne, défie, inspire et évoque un large éventail d’émotions et de pensées qui servent à nous rappeler que dans les moments les plus sombres de notre vie il y a toujours une lumière qui brille à l’intérieur.

Derailed: La rencontre fatale

Synopsis :

À Chicago, alors qu’il voyage dans un train entre les banlieues et le centre-ville, le publiciste Charles Schine rencontre Lucinda Harris et commence une conversation après un incident avec lui. Charles a un mariage usé avec sa femme Deanna Schine. Ils ont économisé de l’argent pendant des années pour leur fille diabétique ayant besoin d’une transplantation de rein associée à un nouveau médicament expérimental coûteux. Quelques jours plus tard, Charles invite Lucinda pour le déjeuner, puis après quelques boissons, ils commencent une relation extra-conjugale, décident d’aller à un hôtel bon marché. La salle est envahie par un voleur, Laroche, qui vole le couple et viole Lucinda. Quelques jours plus tard, Charles se fait chanter, mais Lucinda hésite à aller à la police puisqu’elle ne veut pas perdre la garde de sa fille. Lorsque Laroche menace la famille de Charles, Lucinda essaie de résoudre le problème et la situation devient complètement hors de contrôle.

 

Critique :

Je dois admettre que Derailed, (Dérapage en français) est un de ces films dont je ne connaissais absolument pas l’existence avant d’être tombé dessus par hasard. Je ne me souviens même pas d’avoir entendu le titre de ce film quelque part … Du coup, en le regardant, j’étais sceptique tout en restant hypnotisé devant mon téléviseur.

Derailed commence avec tous les facteurs de ce que doit être une fatale attraction. Charles Schine, jouer par Clive Owen est un homme marié dont le couple est modérément heureux. Sa relation avec sa femme est plus cadencée par la maladie de leur fille, le diabète de type 1. Alors un beau jour, il rencontre Lucinda (rôle tenu par Jennifer Aniston), une belle et intelligente jeune femme. Ainsi, les deux protagonistes découvriront rapidement qu’ils ont un point commun qui est leur mariage qui n’est pas au comble du bonheur. Cette corrélation les mènera inévitablement dans une chambre d’hôtel et c’est là que l’histoire va « dérailler ».

Au lieu d’une partie de jambes en l’air effrénée comme cela devrait être dans ce genre d’histoire, les deux amants se retrouvent au bout d’un fusil quand un bandit fait irruption dans leur chambre. Bien sûr comme on s’y attend, ils se feront dépouiller et Lucinda se fera violer, mais le véritable crime vient que les deux se rendent compte qu’ils ne peuvent pas aller aux autorités sans révéler à leurs conjoints respectifs pourquoi ils étaient dans l’hôtel pour commencer.

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À mon sens, Derailed fait partie de la catégorie de film que j’appelle mi-figue mi-raisin. Il ne mérite pas un Oscars, mais n’est pas une daube pour autant. C’est un film médiocre qui commence comme un drame banal et se déplace vers un suspens acceptable. L’astuce a été sur le fait que le film à la base était fait pour un type d’audience bien définit vu comment l’histoire commence pour ensuite changer complètement dans un tout autre genre. Il s’agit d’une transition cependant, ce n’est pas fait aussi vite que je ne l’aurais pensé ou voulu, laissant beaucoup trop de films derrière avant vraie semblable action. Ce qui le rendra plus angoissant plus tard sera la prise de décision de Charles à céder à son ravisseur quand on sait qu’il a des charges beaucoup plus vitales à côté.

Si on ne reste que sur le scénario, ma plus grande plainte serait de voir que toute l’intrigue du film va reposer sur l’idiotie complète du personnage principal. En effet, la stupidité de Charles va aller si loin qu’après un certain point, il perd toute la sympathie du public. Il est impossible de se sentir mal pour lui, peu importe à quel degré il peut lui arriver des tuiles. Il s’agit là d’un personnage qui semble s’entêter à toujours prendre les mauvaises décisions. Il a le chic de s’empêtrer dans les mauvaises situations.

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Par ailleurs, et comme toujours d’ailleurs, je resterais toujours impressionnée par le jeu d’acteur et la crédibilité de Clive Owen à interpréter son rôle et arriver à nous refaire ressentir cette antipathie face à son personnage. Jennifer Aniston est complètement différente de celle qu’on a toujours connue, emprisonnée dans le rôle de Rachel dans Friends. Dès l’instant où elle apparaît à l’écran, elle dégage une autre personnalité, plus mature. Il est juste dommage que sa personnalité n’a pas plus s’exprimer plus que ça puisque les rôles étaient dominés par le duo Owen- Cassel.

Ce qui pourrait être aussi un peu dérangeant est le fait qu’Owen et Cassel sont un peu restés dans leurs précédents rôles. Revisualisez une seconde Owen dans Sin City en enlevant l’intelligence et le vice, et de même pour Cassel, remettez-le dans son rôle dans Ocean 12… Il rejoue juste son personnage dans Derailed avec plus de panache. Le reste des interlocuteurs principaux est complété par les rappeurs (Xzibit et RZA), ce qui pour moi est un mélange très étrange dans la distribution.

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Comme je le disais, Derailed n’est pas un mauvais film, mais il n’en est pas pour autant un grand film. Il est assez amusant à regarder, si vous pouvez ignorer à quel point le personnage principal est ridiculement antipathique. Cependant, après quelques heures, il y a peu de choses du film qui restera avec vous. Si vous êtes d’humeur pour un film qui demande à ce que vous soyez un simple spectateur passif, juste passer le temps sans prise de tête, vous êtes chanceux, Derailed tombe à pic pour cet état d’esprit.

The Lost City of Z Bande- annonce : Quand Charlie Hunnam cherche son destin

The Lost City of Z raconte l’histoire vraie de Percy Fawcett, un explorateur britannique qui, dans les années 1920, s’est aventuré à plusieurs reprises dans les régions les plus sombres de la jungle amazonienne à la recherche d’une civilisation perdue. L’histoire a été racontée pour la première fois par l’auteur David Grann dans son livre de 2009 du même nom, et maintenant le conte de Fawcett est amené au grand écran par le réalisateur James Gray et Charlie Hunnam jouant le rôle de Fawcett.

The Lost City of Z a déjà recueilli beaucoup de critiques élogieuses, mais l’auditoire général ne sera pas en mesure de participer à son histoire d’aventure ravageuse et passionnante dans la jungle qu’au 14 avril 2017. Par ailleurs, un avant-gout du film est déjà disponible par l’intermédiaire d’une bande-annonce et quelques images, donnant un meilleur sens de ce que le film a à offrir et comment il est vendu.

La nouvelle bande-annonce donne une idée du balayage épique du film, avec des scènes non seulement dans les régions éloignées de l’Amérique du Sud, mais aussi dans les tranchées de la Première Guerre mondiale et des salles de conférence de Londres. Charlie Hunnam (qui a remplacé l’ancien chef de file Benedict Cumberbatch) et Robert Pattinson font une paire d’explorateurs obsessionnels, et Sienna Miller est la femme qui attend et s’inquiète en Angleterre. L’étoile de Spiderman, Tom Holland est également à bord en tant que fils de Fawcett. (Il sera également dans Avengers: Infinity War l’année prochaine).

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L’histoire de Fawcett ressemble à l’aventure de style Indiana Jones, et la bande-annonce suggère certainement quelque chose dans ce genre, mais avec des tons beaucoup plus sombres. Les films épouvantables, parfois terrifiants comme « The Mission » et « Apocalypse Now », sont à l’esprit lorsque vous visionnez la bande-annonce et ses endroits éloignés de la jungle. Compte tenu de la fin tragique et mystérieuse de l’histoire de Fawcett, il n’est pas surprenant que le film tende vers l’obscurité, et la bande-annonce donne certainement un aperçu de cela.

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L’un des éléments les plus intéressants du film sera la performance de Charlie Hunnam en tant que perverti et courageux, et peut-être insensé, Percy Fawcett. Hunnam aurait été très engagé envers le personnage, même en demandant de dormir et de manger à l’intérieur des tranchées pendant le tournage des séquences de la Première Guerre mondiale (la compagnie d’assurance ne l’a finalement pas autorisé). Si Hunnam retire cette performance, sa performance en tant qu’acteur augmentera sûrement, tout comme son appel au box-office.

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James Gray (L’Immigrant) semble également avoir pris un pas significatif dans les rangs des réalisateurs, si les premières critiques de Lost City of Z sont une indication. Un grand film épique comme celui-ci, s’il réussit, pourrait ouvrir beaucoup de portes pour Gray. Vous aussi, vous avez hâte de découvrir ce que Grey et son casting ont accompli quand The Lost of City Z sera en salles en avril ?