Flatliners (1990): un message contre l’arrogance de la science médicale

Synopsis Flatliners (1990):

Le Dr. Nelson Wright (Keifer Sutherland), stagiaire médical, convainc ses camarades de classe de mener une expérience pour découvrir ce qui se cache derrière la mort. Pour ce faire, ils doivent arrêter son cœur pendant une minute et le ramener afin qu’ils puissent trouver les réponses à leurs questions. Alors que le premier essai de Nelson réussit, le Dr Dave Labraccio (Kevin Bacon), le Dr Rachel Manus (Julia Roberts), le Dr Joe Hurley (William Baldwin) et le Dr Randy Steckle (Oliver Platt) décident d’explorer l’inconnu en se défiant les uns et les autres. Seulement, ces derniers vont récolter des conséquences horribles.

Critique Flatliners (1990) :

Je devais regarder le film Flatliners original quand j’avais 11 ou 12 ans quand il a été diffusé sur la TVM (Télévision Malagasy, oui à l’époque on avait que ça). Il a présenté une très belle brochette des plus belles stars de l’époque en terme de casting et c’était l’un des films de science-fiction les plus mémorables que j’ai vus dans les années 90. Après avoir vu la bande-annonce pour le remake, ça a piqué mon intérêt de revoir l’original, juste pour voir à quel point je me souviens encore du film original. Techniquement, il y avait des parties qui étaient encore claires dans ma tête mais pour la plupart, j’ai déjà oublié. Les bonnes nouvelles sont encore que maintenant, 27 ans après sa sortie originale, ce n’était pas trop minable.

Avant que je puisse donner une critique impartiale de ce film des années 90, nous devons tout mettre en contexte. Bien que filmé avec un casting de stars, Kevin Bacon, Keifer Sutherland, Julia Robert, William Baldwin et Oliver Platt étaient tous de jeunes acteurs, tout comme les jeunes talents d’aujourd’hui qui se réconcilient avec leurs propres talents d’acteurs. Les acteurs ont parfois tendance à exagérer leurs jeux d’acteurs mais pour moi, ils peuvent toujours être considérés comme des performances solides, même avec les standards 2017.

Flatliners 1990 01

Alors que la technologie semblait démodée, j’aimais le fait que le réalisateur Joel Schumacher était capable d’établir si bien chaque personnage qu’il n’y avait aucune question sur la façon dont ils réagissaient aux fantômes (pas littéraux) qui les poursuivaient dans leur réalité. Keifer Sutherland se débrouillait très bien en tant que l’égocentrique consumé par la culpabilité alors que Kevin Bacon était le fleuron parfait de son personnage. Même au milieu du conflit, il y avait un sentiment de loyauté parmi les personnages. J’ai adoré que même en cas de crise, personne n’a vraiment sauté du bateau et qu’ils ont réussi à rester ensemble jusqu’à la fin.

Bien qu’il y ait eu quelques éléments d’horreur incorporés dans le film, je n’ai jamais vraiment eu peur pour Joe, Dave et Rachel. Seulement pour Nelson qui a connu la violence physique de son ennemi juré. Je pensais qu’il manquait un peu de punch que seule la vie de Nelson était techniquement mise en danger à la suite de l’expérience. Cela aurait été bien si Dave n’avait pas immédiatement compris comment se débarrasser des démons. Mais là encore, il y a une raison pour laquelle il était le plus intelligent du peloton.

Flatliners 1990 02

Le décor sinistre et le musée rénové, je crois, étaient censés représenter quelque chose, mais peut-être que c’était juste une allusion aux étudiants qui jouent à Dieu. Cela a plutôt bien fonctionné pour l’accumulation de l’apogée, mais à part ça, j’ai été étonné par le peu de réglages qui étaient impliqués dans cette production.

Flatliners 1990 03

Dans l’ensemble, je pense que l’original Flatliners était un film assez solide mais il a été limité par les normes des années 90 en termes de narration. Et à cause de cela, il n’y avait pas un très grand sens de la conséquence pour essayer de jouer avec la vie. Je pense que le redémarrage a une grande prémisse pour naviguer, car les auditoires sont maintenant plus ouverts à accepter des rebondissements et des conséquences plus audacieux. Il a également la plate-forme pour prendre le concept original à des terreurs que l’original n’osait pas explorer. J’ai de grandes attentes.

Découvrez la bande-annonce du remake ici:

 

Publicités

Sicario 2: Soldado Bande-annonce: La guerre de la drogue ne finit jamais

La suite de Sicario laisse apercevoir les agents secrets se battre contre les cartels de la drogue et les terroristes. Benicio Del Toro et Josh Brolin vont commencer une guerre… avec tout le monde.

Sicario a été l’un des grands succès de la saison cinématographique de 2015, remportant à la fois un succès critique et commercial tout en remportant trois nominations aux Oscars. Pourtant, c’est une histoire apparemment autonome qui fait qu’une suite semble improbable. Mais nous parlons de Hollywood, et nous voici deux ans plus tard avec le premier trailer de Sicario 2: Soldado.

 

Bien que le réalisateur et star de l’original, Denis Villeneuve et Emily Blunt, ne soient pas revenus, une grande partie de ce qui a rendu le premier film si captivant est de retour dans le jeu pour le suivi. Le scénariste Taylor Sheridan a une fois de plus écrit le script, tandis que Benicio Del Toro et Josh Brolin sont de retour en tant qu’agent Alejandro Gillick et agent de la CIA Matt Graver pour combattre les cartels de la drogue mexicains. Jeffrey Donovan revient également en tant que Steve Forsing, tandis que Catherine Keener, Matthew Modine et Isabela Moner rejoignent l’ensemble dans de nouveaux rôles.

Cette fois-ci, Graver tape sur Gillick pour l’aider à déclencher une guerre entre les cartels quand on découvre qu’ils font maintenant la contrebande de terroristes à la frontière américano-mexicaine. « Je pense que c’est juste plus grave, mec, » a dit Brolin à Collider dans la suite. Tout au long de, je pense que les personnages sont plus sévères. Je pense que le film est plus sévère. Je pense que c’est juste beaucoup plus gros. Cela dit, il ajoute que c’est toujours « extrêmement émouvant » et « tendu ». Les cinéastes semblent définitivement se sentir plus à l’aise cette saison, et vous pouvez voir à quel point la tension est forte.

Sicario: Intense et réfléchi, ‘Sicario’ examine l’éthique au milieu de l’inhumanité

Synopsis Sicario :

Dans la zone frontalière sans loi qui s’étend entre les États-Unis et le Mexique, un agent du FBI idéaliste (Emily Blunt) est exposé au monde brutal du trafic international de drogue par des membres d’un groupe gouvernemental (Josh Brolin, Benicio Del Toro). Leur plan : sortir un patron de cartel mexicain.

Critique Sicario :

L’agent du FBI, Kate Mercer (Emily Blunt) mène un raid qui, bien qu’ayant échoué à retrouver les supposés otages, parvient à déterrer plusieurs cadavres enterrés dans toute l’enceinte. Cette découverte et son expertise de la situation la portent à l’attention du conseiller du gouvernement Matt Graver (Josh Brolin). Il informe Kate que le cartel de la drogue mexicain est responsable des meurtres et qu’un plan est en cours pour faire tomber le cartel. Kate doit se porter volontaire pour faire partie de ce groupe de travail et après cela, elle est jumelée avec le consultant spécial Alejandro (Benicio Del Toro). À son insu, la première mission les voit traverser la frontière mexicaine et totalement ignorer la légalité américaine.

Sicario 01

Réalisé par Denis Villeneuve, qui a également réalisé l’excellent « Prisoners », Sicario vise à examiner si l’éthique a sa place dans le monde anarchique des cartels de la drogue. Le personnage d’Emily Blunt, Kate, est la boussole morale du film. Même si le travail de Kate lui a donné des sièges de première rangée aux actes troublants que les humains sont capables d’infliger à d’autres personnes, elle est toujours une croyante ferme et une pratiquante de la loi. Elle fait les choses selon le livre, ce qui, je pense, vient de ce qu’elle comprend que, dans son domaine de travail dominé par les hommes, elle doit montrer, plus que les autres, non seulement une extrême résilience, mais aussi une extrême diligence. Alors quand Kate décide de rejoindre le groupe de travail, c’est une décision prise sur les bases que cela l’aidera à trouver les personnes responsables de tous ces cadavres. En d’autres termes, elle veut la justice. Le problème surgit quand elle découvre que la «justice» prend différentes formes selon la situation dans laquelle elle se trouve. Si l’ennemi kidnappe, torture et décapite des hommes, des femmes et des enfants et les exposent en public, parfois la «justice» ne peut être atteinte quand vous vous abaissez au niveau de l’ennemi. Mais si c’est le cas, qui sont les gentils et qui sont les méchants?

Il est intéressant de voir comment les perspectives en noir et blanc de Kate deviennent progressivement grises, sans vraiment trop gâcher. Mais j’aime vraiment la juxtaposition du personnage de Kate et Benicio Del Toro, Alenjandro. Ils ressemblent à des gens de l’autre côté du spectre, mais au fur et à mesure que le film se développe, nous commençons à voir apparaître des similitudes entre eux. Je pense que même les personnages voient des parties d’eux-mêmes, ce qui doit être une pensée effrayante pour Kate. En tout cas, la brillante performance d’Emily Blunt est l’une des principales raisons pour lesquelles le dilemme de Kate est si irrésistible. J’aime bien qu’Emily Blunt n’ait pas eu un rôle déterminant, cela lui donne l’avantage d’incarner de manière crédible différents types de personnages. Dans Sicario, elle a un dialogue minimal et s’appuie sur les expressions et le langage corporel pour communiquer à la fois l’histoire de Kate et ce qu’elle pense. Blunt injecte à son personnage un sentiment palpable d’expérience vécue et, en tant que telle, ressemble plus à une personne réelle. C’est une performance calme et efficace qui vous captive. De même, Benicio Del Toro fournit l’autre performance exceptionnelle à Sicario. Son personnage est une énigme pour la majeure partie du film, mais chaque fois qu’il est à l’écran, le sentiment d’appréhension et de tension augmente. Il a encore moins de dialogue que le personnage d’Emily Blunt, mais tout comme elle, il parvient à transmettre beaucoup à travers le langage corporel. Parfois, la force d’un personnage vient de ce qu’il ne dit pas et c’est évident à Sicario.

Sicario 03

Si vous avez vu un autre film de Denis Villeneuve, (voici le prétexte pour moi de vous brancher sur « Ennemy » et « Polytechnique », deux films incroyables que vous devriez regarder), alors vous pourriez être conscient de son talent pour créer des images obsédantes. Avec Sicario, Villeneuve crée un paysage d’effroi et de tension où même une photo d’un objet inanimé, comme une fenêtre ouverte avec ses rideaux se déplaçant doucement de la brise, se sent destructrice (elle évoque le tir de l’arbre au début de « Prisoners » ). La caméra traîne parfois sur des endroits où les gens sont juste à l’abri des regards et, combinés à la partition magnifiquement sombre et atmosphérique de Jóhann Jóhannsson, les résultats sont inquiétants. Bien qu’il y ait des cas d’action intense, ils se produisent sporadiquement puisque le film repose davantage sur la création d’anticipation. Sicario est délibérément au rythme, optant pour passer plus de temps avec les préludes à la violence que la violence. Et ce sont les préludes qui s’avèrent être la plus grande force du film, car en donnant au spectateur une idée concrète de qui sont ces personnages, nous pouvons réellement nous sentir investis quand leur vie est en danger. Le sentiment de danger est palpable dans les scènes d’action, ce que je dis toujours est un must pour que l’action soit efficace.

Sicario 04

Sicario est un thriller d’action exceptionnel. Expertement dirigé par Denis Villeneuve avec deux performances exceptionnelles de Emily Blunt et Benicio Del Toro, ce film ne ressemble à aucun autre film. Un type différent de combustion lente avec des rafales périodiques menant à une fermeture intense et troublante de vingt minutes. Mais aussi exaltant que puisse être ce film, c’est le dilemme moral du protagoniste qui fournit le facteur le plus engageant à mon avis. Cette question sur l’éthique et la question de savoir si l’on peut rester moralement juste au milieu de l’inhumanité est développée de façon réfléchie et culmine d’une manière rafraîchissante et réelle. D’autres films ont abordé ces questions auparavant, mais Sicario le fait d’une manière tellement convaincante et organique qu’elle ouvre la discussion, surtout parce que les personnages eux-mêmes démontrent la complexité héritée de ce qui est bien ou mal, de ce qu’est la justice et de la vie les situations ont tendance à brouiller les lignes.

Jonathan Rhys Meyers: 20 choses que vous ne saviez pas sur l’acteur

Jonathan Rhys Meyers est un acteur d’origine irlandaise, surtout connu pour ses rôles dans des films comme ‘Mission: Impossible III’, ‘Velvet Goldmine‘, « August Rush » et ‘Match Point‘. Au fil des années, il a également gagné en popularité pour ses rôles dans des téléséries comme « Elvis« , dans lequel il a joué le légendaire musicien Elvis Presley et « The Tudors« , dans lequel il a joué le rôle du roi Henry VIII. Alors qu’il a remporté le Golden Globe Award pour ‘Elvis’, il remporte le Golden Nymph Award pour ‘The Tudors’. Jonathan a aussi eu du succès en tant que mannequin, en étant le visage de grandes marques comme la collection masculine Versace et les parfums Hugo Boss. En dehors de tout cela, il a joué des rôles musicaux et est aussi un chanteur. Meyers a vraiment fait son chemin depuis modestes débuts jusqu’à devenir un nom de famille au Royaume-Uni et aux Etats-Unis.

Voici 20 faits à connaître sur cet acteur :

  1. Jonathan Michael Francis O’Keeffe était le 27 juillet 1977 à Dublin, en Irlande.
  2. Ses parents étaient Geraldine et le musicien folk John O’Keeffe, et ont grandi dans le comté de Cork.
  3. Sa famille est catholique romaine.
  4. Ses trois frères sont tous des musiciens professionnels.
  5. Il a fréquenté l’école Christian Brothers du North Monastery.
  6. Après avoir été expulsé du monastère du Nord à l’âge de 14 ans pour cause d’absentéisme, il passait une grande partie de son temps à travailler et à socialiser dans des salles de billard.
  7. Des agents de casting qui cherchaient des garçons irlandais à apparaître dans War of the Buttons l’ont repéré dans une salle de billard de Cork, le Victoria Sporting Club, et l’ont invité à passer une audition.
  8. Son premier rôle dans un film s’est fait avec « A Man of No Importance » (1994).
  9. En 1999, il est apparu dans « Ride with the Devil » en tant que le combattant de la guérilla psychopathe de Pitt Mackeson.
  10. Meyers a joué dans des séries télévisées dont « Gormenghast » (2000).
  11. Il est surtout connu pour ses rôles dans les films « Velvet Goldmine » (1998), « Bend It Like Beckham » (2002), « Match Point » (2005), « Mission: Impossible III »(2006) et ses rôles télévisés comme Elvis Presley  dans la minisérie biographique « Elvis » (2005), qui lui a valu un Golden Globe Award du meilleur acteur – mini-série ou téléfilm, et le roi Henry VIII dans le drame historique « The Tudors » (2007-10).
  12. Il a été le modèle du visage de plusieurs campagnes publicitaires Hugo Boss.
  13. En 2013, Meyers est apparu comme le méchant Valentine Morgenstern dans The Mortal Instruments: City of Bones, d’après le roman de Cassandra Clare, City of Bones.
  14. Il a également joué dans la série dramatique NBC « Dracula » (2013-14) en tant que personnage principal. Meyers est apparu dans le film « Stonewall » de 2015, réalisé par Roland Emmerich.
  15. De 2004 à 2012, Meyers était en couple avec Reena Hammer, fille de la maquilleuse Ruby Hammer.
  16. En 2007, la représentante de Meyers, Meredith O’Sullivan, a confirmé qu ‘«après une succession incessante de tournage, Jonathan Rhys Meyers est entré dans un programme de traitement de l’alcoolisme».
  17. Son représentant a confirmé que Meyers recevait à nouveau un traitement en 2010.
  18. En novembre 2011, Meyers a été condamné par un tribunal français à verser une restitution de 1 000 euros et a été condamné à vingt-huit mois d’emprisonnement avec sursis pour intoxication publique.
  19. Le 20 novembre 2007, sa mère, Mary Geraldine « Geri » O’Keeffe, est décédée à l’hôpital universitaire Mercy, à l’âge de 51 ans, à la suite d’une brève maladie non divulguée.
  20. Rhys Meyers et Mara Lane, qui se sont mariés en 2016, ont eu un fils, Wolf Rhys Meyers, en décembre 2016. Lane a déclaré en septembre 2017 qu’elle avait fait une fausse couche avec un deuxième enfant.

Dunkirk : L’Épopée monumentale de Christopher Nolan

Synopsis Dunkirk :

En 1940, au début de la Seconde Guerre mondiale, des centaines de milliers de soldats alliés de Grande-Bretagne, de Belgique et du Canada se retrouvent piégés sur la plage de la ville côtière de Dunkirk face à une crise impossible. Ils ont été coupés et encerclés par des troupes nazies allemandes impitoyables. Pendant huit jours, les hommes doivent lutter pour survivre et espérer être sauvés.

 

Critique Dunkirk :

S’il y a bien quelque chose que vous ne verrez jamais dans ce film de guerre de Nolan, ce sont les Allemands. En effet, presque tous les 70mm du nouveau film monumental de Christopher Nolan sont bel et bien logés au cœur de la Seconde Guerre mondiale, à la seconde où les nazis serrent la corde autour des 400 000 soldats alliés échoués sur les plages de Dunkirk, mais on voit jamais les Allemands. Leurs sous-marins s’élancent dans la distance au-dessus de leurs têtes, et leurs fantassins restent hors champ pendant qu’ils amassent de l’autre côté des dunes et attendent l’ordre d’attaquer.

Dunkirk01

Dans les rares occasions où les combattants de l’Axe se font connaître (comme dans le prologue hanté et surprenant), leurs balles sifflent vers nous comme le vent, se matérialisant de nulle part et seulement visibles par la destruction qu’ils laissent derrière eux. À l’abri des regards, cependant, ne sont certainement pas hors de l’esprit. Au contraire, Nolan rend impossible de penser à autre chose. Son compte rendu inébranlable de l’heure la plus sombre de Grande-Bretagne, et l’aube miraculeuse qui a suivi, dissout l’armée d’Hitler dans une menace principalement existentielle. Le texte d’ouverture se réfère à eux comme juste « l’ennemi ». Ils sont aussi vagues et violents que les projections de rêve dans « Inception« , moins d’une force littérale qu’une abstraction mortelle qui vit sous notre peau, se nourrit de nos peurs, et érode notre but commun.

DUNKIRK

En d’autres termes, ce sont les antagonistes parfaits pour une épopée de guerre PG-13. Leur absence permettant cette histoire de panique et d’isolement, de célébrer le passé de la Grande-Bretagne tout en condamnant aussi son présent de l’ère Brexit. Ils sont la force de galvanisation derrière un oxymore cinématographique, un assaut sur les sens pratiquement sans effusion de sang, mais profondément énervant. Plus proche de Sartre que de Spielberg, « Dunkirk » est une œuvre étonnante de spectacle brut qui cherche l’ordre au milieu du chaos. C’est le film le plus contradictoire que Christopher Nolan ait jamais réalisé, et sans le moindre incident, aussi le meilleur.

Le rationaliste le plus dévoué du cinéma moderne, Nolan a fait une carrière (étonnamment réussie) en appliquant la logique de Spock aux locaux de Kirk. « Interstellar » a tenté de résoudre la nature de l’amour pour son but darwinien. «Inception» imposait des systèmes rigides au domaine de l’imagination brute, disséquant le subconscient humain avec la précision d’un « safecracker ». « The Dark Knight Trilogy » est un triptyque de films de superhéros qui redéfinit le genre en niant son penchant naturel vers la fantaisie.

La guerre est banale. La guerre est une folie. La guerre n’offre aucune raison derrière qui vit et qui meurt. Bien sûr, Christopher Nolan avait besoin d’essayer de comprendre comment cela fonctionne (avec le recul, c’est un peu choquant qu’il ait attendu si longtemps). Avec « Dunkirk », le réalisateur a réalisé un autre exercice de musculation qui utilise le langage filmique « All-Caps » pour confondre les frontières entre le temps et l’espace, déconstruisant le monde physique pour explorer les forces immatérielles qui le font vibrer. Un blockbuster historique peut sembler un changement de rythme audacieux pour lui, en particulier celui qui se formule en 106 minutes serrées et n’inclut pas un seul personnage masculin qui n’essaie de se pardonner pour avoir déçu sa femme morte, mais c’est toujours le truc du millésime Nolan. C’est toujours le travail de quelqu’un qui est à la fois horloger et un homme de spectacle, quelqu’un qui démonte chacune de ses histoires pour le plaisir de les remettre ensemble (en un sens, tous ses films sont des images «Prestige»).

Dunkirk06

« Dunkirk » se compose naturellement de trois parties, dont chacune appartient à son propre calendrier et terrain. Le film est réparti également entre la terre, la mer et l’air. Les jeunes recrues qui passent une semaine sur la plage, les marins civils qui bravent une journée sur les eaux pour les sauver, et les volontaires de la RAF qui fournissent le feu et couverture à la onzième heure de la grande évasion. Inutile de dire que l’évacuation était une expérience très différente pour tous les participants, mais le coup le plus audacieux du scénario est de savoir comment il les égalise en coupant entre ces fronts séparés comme s’ils se produisaient tous en même temps.

Un adolescent nommé Tommy (le nouveau venu Fionn Whitehead, dont les grands yeux nous rappellent Christian Bale dans « Empire of the Sun ») ne parvient quasiment pas à la rive avec sa vie intacte. Rejoignant le reste des troupes, il repère un Britannique ( Aneurin Barnard) et les deux garçons s’accordent à dire que leur seul espoir de survie est de gagner le passage à bord du navire-hôpital qui s’apprête à partir pour l’Angleterre, si proche, mais si loin. Finalement, ils sont rejoints par un fantassin à la peau dure joué avec une grande urgence par la star de la pop Harry Styles. Nolan jumelant des inconnus avec des méga-célébrités afin de souligner la nature égalitaire d’être laissé pour mort. L’expérience du combat n’est pas nécessaire pour apprécier comment tout le monde se bat contre sa propre guerre, comment les grognards qui ont fauché sur la plage de Normandie ont autant de raisons de vivre que les généraux qui les ont envoyés au massacre. En conséquence, « Dunkirk » ne juge pas ces gars pour leur désespoir ni pour les durées auxquelles il les prend. En fait, son film pardonne énormément en ce qui concerne les fièvres de la guerre, empathique envers l’autoprotection tout en célébrant les vertus de la solidarité.

IT : Un excellent film Coming-of-Age, jusqu’à ce que le clown fasse son apparition

Synopsis « IT »:

Tous les 27 ans, un prédateur changeant de forme émerge des égouts pour se nourrir d’enfants innocents en exploitant leurs plus grandes peurs dans la ville de Derry, dans le Maine. Un groupe de 7 enfants, considérés comme des « marginaux » forment un groupe appelé ‘Losers Club ». Ils réalisent rapidement qu’ils ont tous eu des rencontres avec une entité apparaissant sous diverses formes, mais principalement sous la forme d’un clown nommé Pennywise. Ne sachant pas comment appeler l’entité, ils se réfèrent à lui comme « It » et croient qu’il est responsable des meurtres récents d’un certain nombre d’enfants dans leur ville.

Critique  « IT »:

La meilleure partie de la version d’Andy Muschietti de « It » est sa manière d’adapter un classique de Stephen King. L’on ne parle pas ici d’une version adaptée de la minisérie de 1990, avec la performance emblématique de Tim Curry qui envoya des dizaines d’enfants terrifiés sur le canapé du thérapeute. On remarquera tous que le meilleur de ce film n’est pas la prestation du clown dansant Pennywise, quasi échouée (sorry Bill, you know I love you but…).

IT 01

Si la minisérie de 1990 était ancrée sur la menace joyeuse de Curry, le film se concentre un peu plus sur le lien formé entre un groupe de jeunes marginaux durant les vacances d’été. Je ne pense pas être la seule à avoir remarqué, mais cette version de « IT » a plus d’un remake de « Stand by me » que de la première version de « IT ». Non seulement en raison des similitudes thématiques entre le matériel source de ce film et « IT », mais aussi grâce au casting de Muschietti qui est une collection adroite de jeunes talents Wil Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman et Jerry O’Connell.

Quand il y a sept acteurs : Jaeden Lieberher, Jeremy Ray Taylor, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, Wyatt Oleff, Chosen Jacobs et Jack Dylan Grazer discutent des mérites de la masse de loogie par rapport à la distance tout en explorant timidement leurs premiers coups de foudre, c’est un délice. Chaque membre de la bande qui s’appelle « Losers Club » est naturel et charismatique, en particulier la radieuse Lillis dans le rôle de Beverly, la seule fille du groupe, et Finn Wolfhard, dans le rôle de Richie Wiesecracking. Leurs scènes d’ensemble montrent le même genre de camaraderie facile qui a fait de Stranger Things (qui a également Wolfhard, et a été fortement influencé par l’original) un tel succès pour Netflix l’été dernier. Bien sûr, la note R du film permet à Muschietti de devenir plus sexy que la version de « IT » de 1990. Mais surtout, il donne aux enfants la liberté de dire «fuck», non gratuitement, mais avec une nonchalance étudiée familière à tous ceux qui ont déjà 13 ans.

IT 04.jpg

Hélas, ce n’est pas seulement une histoire de passage à l’âge adulte. C’est aussi un film sur un clown tueur. Et tandis que son Pennywise remanié, joué ici par Bill Skarsgård (frère d’Alexander, de Gustaf et fils de Stellan), a ses moments, ses scènes sont souvent plus distrayantes qu’essentielles.

Bien que le roman de King fasse le lien entre les personnages d’enfants en 1958 et ses débuts en tant qu’adulte en 1985, le nouveau film profite des tendances nostalgiques actuelles en transportant les enfants jusqu’en 1989. La chronologie changeante n’affecte pas la dynamique des Losers, mais elle force « IT », qui peut prendre la forme de la chose qui effraie le plus chaque enfant, pour les atteindre.

Dans le roman de King, quand il ne se présente pas en tant que Pennywise le clown, il aime usurper l’identité de vieilles créatures universelles comme le monstre de Frankenstein, la momie ou le loup-garou. Parce que ces bêtes ne frappent pas les mêmes beats pour un public moderne, Muschietti’s opte plutôt que son « IT » se transforme en une série de spectacles grotesques générés par ordinateur, qui sont habituellement ponctués par une apparence sans paroles de Pennywise lui-même. Alors que le film utilise parfois le suspens comme outil, il plonge plus souvent la tête en premier pour dramatiser les envolées grotesques de King, du bras d’un enfant déchiré à une fontaine de sang qui fait honte au seau de Carrie.

 

La version du clown de Tim Curry était toute une graisse de peinture crayeuse et des yeux injectés de sang et des dents jaunes horribles. Une créature de fantaisie, certes, mais tangible. En revanche, le visage incroyablement doux de Skarsgård et le générique grondement des films d’horreur ne font pas une impression durable, surtout parce qu’il a moins de lignes que Curry. Et même si certaines des plus grandes pièces du film montrent le même esprit irrévérencieux que les scènes d’ensemble des Losers, à un moment donné, deux des enfants sont confrontés à un ensemble de portes qui indiquent « SCARY », « TRÈS EFFRAYANT » et « PAS EFFICACE ». « Toutes ces séquences trop longues sont souvent entraînées par des clichés, des indices de musique gonflés, des sauts de peur et des images d’un enfant marchant lentement vers quelque chose dont il devrait s’enfuir logiquement.

Finalement, ce sont les monstres humains qui finissent par laisser une marque plus permanente dans cette version de « IT ». Des adultes qui ignorent consciemment les événements étranges et violents dans leur ville endormie du Maine, au père qui agresse sexuellement son enfant. Bien que le film décide d’adoucir les intimidateurs mortels qui tourmentent aussi les Losers. (Il y a beaucoup de gens qui tourmentent les Losers!) Dans le livre et la minisérie, ces voyous caricaturaux sont violemment racistes et antisémites. Dans le film, ce ne sont que de sacrés sadiques. Bien que le désir d’éviter d’utiliser un langage racial soit compréhensible, cela fait aussi à Mike, le seul perdant de couleur, encore moins un arc que dans la moitié flashback du livre. Surtout depuis qu’il est le chef du gang. Ensemble, ces décisions ont l’effet malheureux de faire de Mike le membre le moins bien défini du groupe. Peut-être que la suite l’étoffera un peu plus.

Si « IT » n’était qu’un spectacle d’horreur tape-à-l’œil, des problèmes comme celui-là, et le traitement du film à travers Beverly, dont le principal trait de personnalité est le désir qu’elle suscite chez les autres ne résonneraient pas autant. Mais comme le meilleur travail de King, le film veut être plus grand que la somme de quelques craintes bon marché. Souvent, grâce à sa forte distribution et ses moments plus calmes, il réussit à atteindre cet objectif. Mais il y aurait beaucoup plus de temps pour le développement du personnage si le film ne comportait pas autant de scènes longues et frénétiques de chaos animé. Avec une belle méditation sur l’innocence perdue, le nouveau « IT » vous fait presque rêver d’une histoire qui a abandonné le clown pour une métaphore moins littérale.

Logan: Quand Hugh Jackman livre un brutal et touchant chant du cygne à Wolverine

Synopsis

En 2029, la population mutante est en voie d’extinction et les X-Men se sont dissous. Logan, dont le pouvoir de se guérir lui-même diminue, s’est livré à l’alcool et gagne maintenant sa vie comme chauffeur. Il s’occupe de l’ancien professeur X malade qu’il garde caché. Un jour, une étrangère demande à Logan de conduire une fille nommée Laura à la frontière canadienne. Laura possède une aptitude extraordinaire et est, à bien des égards comme Wolverine. Elle est poursuivie par des figures sinistres travaillant pour une société puissante.

Logan est entouré d’une demi-douzaine d’hommes. Ils sont généralement armés. Selon l’endroit où il se trouve à ce moment-là, il pourrait être attaqué par des katanas, des revolvers, ou comme cette fois, avec des clés à singe. Mais il les avertit : « Les gars, vous ne voulez pas jouer à cela. » Ils ne savent pas qui il est, de quoi il est capable. Cette scène, nous l’avons vue maintes fois. Et c’est ainsi que commence Logan. Mais cette fois-ci, les événements ne fonctionnent pas comme ils le faisaient autrefois. Wolverine n’a pas de sourire irrégulier sur son visage alors qu’il siffle et coupe sa sortie. Cette fois, il est battu, les coups tombent dans ses os, déchire sa chair. Les blessures qui une fois utilisées pour guérir immédiatement, sont laissées en béance. Il y a du sang partout. Et beaucoup de jurons. Cette fois, contrairement aux innombrables fois précédentes, Logan meurt…ou presque.

Logan 02

Dès le premier moment, la voix lugubre de Johnny Cash a gratifié cette superbe bande-annonce, il semblait que Hugh Jackman et le réalisateur James Mangold ne fonctionneraient plus par les règles. Pour Jackman, cela fait juste la neuvième fois qu’il interprète Wolverine (tu m’en diras tant !) et pour Mangold, c’est un autre coup de fil pour compléter ce qu’il a presque réalisé en 2013, quand il a fait voyager Logan au Japon. Pour ces deux-là, cependant, c’était maintenant ou jamais. Jackman n’a manqué aucune occasion de dire à tout le monde que ce serait la dernière fois qu’il jouerait le Wolverine, le personnage qui définissait sa carrière, et continuerait probablement à le définir pour le reste de sa vie. Peut-être était-ce que cette pression était nécessaire, pour effacer de mauvais souvenirs (j’espère que, après cela, X-Men Origins sera oublié), ou peut-être que c’était la liberté qui lui était accordée par le succès de Deadpool, mais Logan est différent de tout film de super-héros que vous avez vu jusque là. Logan est en effet minimaliste, méditatif, mélancolique, et n’a plus rien à perdre. Nous l’avons vu passer par l’enfer, nous l’avons vu regarder mourir tout le monde à qui il a pu tenir, et tout ce qu’il peut faire est de continuer à vivre. Tout ce que Wolverine peut faire est de continuer à se battre. Mais pour quoi? La raison vient sous la forme d’une petite fille haute comme trois pommes, et pas plus de 10 ans.

Logan 03

 

Quand nous rattrapons Logan, grisonnant, visiblement plus vieux, les cicatrices de son corps ressemblent à des souvenirs obsédants du passé, quoi de plus normal ? Il semblerait qu’on soit en 2029. Aucun mutant n’est né au cours des 20 dernières années. Ils sont devenus des contes populaires, des légendes transmises dans des bandes dessinées, et peut-être même des films. Logan éveille une vie, conduisant une limousine près de la frontière entre les États-Unis et le Mexique. Le peu d’argent qu’il gagne servira à l’achat de médicaments pour son ami Charles, le Professeur X. Ils vivent dans le désert, loin de tous les autres, ensemble, comme ils l’ont été depuis tant d’années. Ils sont tout ce qu’ils ont dans ce monde.

Et puis, Laura arrive. Elle lui ressemble étrangement beaucoup. Elle est une mutante. Le premier à venir dans les décennies. Et elle est le seul espoir qu’ils ont. On raconte que, à des milliers de kilomètres, au Dakota du Nord, il y a un refuge pour d’autres comme elle, comme eux. C’est là qu’ils doivent l’emmener, loin des hommes méchants. Ils font la seule chose qu’ils peuvent. Dans un hommage subtil au premier film X-Men, Logan prend la jeune fille sous son aile. Ils volent une voiture, prennent des collations et se rendent sur la route.

Il a été dit que le film de super-héros entrera bientôt le chemin du film western (ce n’est pas moi qui l’ai dit, mais les meilleurs esprits, comme Spielberg et Lucas), comment il est arrivé à un point de saturation, comment ont fait les six tireurs et les chapeaux de cow-boy ainsi que les champs de force alors qu’ils se déplaçaient vers leur destination finale. Pour un film exceptionnellement sinistre qui préfère plutôt contempler la mortalité que démolir joyeusement une ville, l’idée de Logan relançant un genre mourant – deux genres mourants – est presque poétique.

Logan 07

Il n’y a qu’une seule façon de pousser ce genre vers l’avant, afin de l’empêcher de devenir obsolète. Et c’est de le déconstruire, pour arracher tout l’excès de CGI (Images de synthèse), tous les artifices et exhumer l’essence de ce qui rend ces films si géniaux. Logan fait ça. Et puis il le fait à nouveau.

Il faut des indices de classiques comme « Children of Men », « The Wrestler », et même le grand jeu vidéo comme « The Last of Us » pour bien s’imprégner dans ce film. Il est intransigeant dans sa brutalité et sans crainte dans le respect de ces personnages emblématiques. C’est un témoignage du pouvoir de la narration et de ce que la liberté créative peut produire.

Logan 08

Le parcours cinématographique de Wolverine a commencé il y a 17 ans dans une forêt. Il se faisait en ce temps-là de l’argent dans des cages. Une jeune fille l’a alors sauvé, elle lui a montré ce que c’était d’avoir une famille, qu’elle avait l’impression d’être une bonne personne. À Logan, il lui a fallu une autre fille pour lui montrer qui il est vraiment, pour lui rappeler que sa vie valait quelque chose. C’est pour moi le chant du cygne parfait qu’il aurait pu avoir.